"Der Freischütz" an der Wiener Staatsoper: Buh-Rufe wie schon lange nicht mehr

Carl Maria von Weber, Der Freischütz – Premiere,  Wiener Staatsoper

Foto: Michael Pöhn (c)
Carl Maria von Weber: Der Freischütz – Premiere
Wiener Staatsoper, 11. Juni 2018

von Heinrich Schramm-Schiessl (Der Neue Merker)

Carl Maria von Webers einzige wirklich populäre Oper gilt als das Schlüsselwerk der sogenannten romantischen Oper. Die zentrale Szene in der „Wolfsschlucht“ ist wahrscheinlich das erste wirklich durchkomponierte Stück der Opernliteratur. Manche behaupten sogar, dass es ohne die „Wolfsschlucht“ die Musikdramen Richard Wagners nicht gäbe. Ich halte diese Aussage doch für etwas übertrieben, wiewohl ja bekannt ist, dass Wagner Weber sehr geschätzt hat und anlässlich dessen Tod den Männerchoral „An Webers Grabe“ komponiert hat. Nun, die „Wolfsschlucht“-Szene, oder die Arien des Max und des Kaspar im 1. Akt sind wirklich zukunftsweisend, aber es gibt auch zahlreiche Elemente, die an die deutsche Spieloper erinnern, wie z.B. das „Jungfernkranz“-Lied. In jedem Fall zählt das Werk zu den populärsten Stücken des Opernkanons und wurde zumindest früher gerne neben Mozarts „Zauberflöte“ als „Einstiegsoper“ für Kinder verwendet.

In der Staatsoper blieb das Werk nach dem Krieg eher nur eine Fußnote des Repertoires. 1947 gab es im Ausweichquartier Volksoper die erste Neuproduktion unter der Leitung Hans Knappertsbuschs, die es bis 1948 auf 28 Vorstellungen brachte. Erst im Mai 1972 gab es dann – als letzte Premiere der Direktion Reif-Gintel – eine Neuinszenierung durch Otto Schenk in wunderbaren Bühnenbildern von Günther Schneider-Siemssen und Karl Böhm am Pult mit Gundula Janowitz, Renate Holm, James King und Karl Ridderbusch in den Hauptrollen. Diese Produktion war bis 1989 am Spielplan und brachte es immerhin auf 55 Aufführungen. Die letzte Neuproduktion gab es dann 1995. Die etwas merkwürdige Inszenierung stammte von Alfred Kirchner, dirigiert hat Leopold Hager und die Hauptrollen wurden von Soile Isokoski, Ruth Ziesak, Thomas Moser und dem leider viel zu früh verstorbenen Monte Pederson gesungen und wurde bis 1999 26 mal gespielt.

Nun kommt das Werk nach 19 Jahren wieder auf den Spielplan und – diejenigen die sich darüber freuen mögen mir verzeihen – ich bleibe dabei, was ich schon anlässlich der Programmpräsentation gesagt habe, dass diese Neuinszenierung unnötig ist. Die einzige Rechtfertigung wäre gewesen,  hätte man Christian Thielemann dafür gewonnen. Der „Freischütz“ war nie ein Kassenschlager und wird es auch diesmal nicht werden, woran in erster Linie diese total verkorkste Inszenierung schuld ist. Bereits nach wenigen Minuten merkte man, dass Christian Räth, der immerhin einen passablen „Macbeth“ abgeliefert hat, mit dem Werk nichts anfangen konnte. Wie immer in solchen Fällen basteln sich die Herren dann ihre eigene Geschichte zusammen und/oder pfropfen auf das ganze dann noch eine Rahmenhandlung drauf. Diesmal erlebten wir einen Mix. Dabei hat das ja schon eine gewisse Tradition. In den späten 1970er- und 1980er-Jahren hatten wir die Zeit der „Träumer“, also eine Person träumt die Handlung und jetzt haben wir die Zeit der „Komponisten“, also der Komponist des Werkes versetzt sich in eine der Rollen, man denke nur an Marellis „Turandot“.

Christian Räth sieht in Max einen Komponisten, ich nehme an, er meint Weber, der eine Schreibblockade hat und erst dadurch, dass er den Mut aufbringt, in die Wolfsschlucht zu gehen, davon befreit wird. Dass das ganze natürlich weder mit der Musik noch mit dem zumindest gesungenen Text in Einklang zu bringen ist, liegt auf der Hand. So spielt die erste Szene nicht auf einem Schützenfest, sondern in einer Art Gesangsverein, wo Max dafür gehänselt wird, dass ihm ein Werk misslungen ist. In der Wolfsschlucht wiederum werden keine Freikugeln gegossen –die Schilderung der Ingredienzien ist gestrichen – , sondern Max kann sieben Seiten einer Komposition vollenden. Die Wolfsschlucht ist überhaupt der Tiefpunkt dieser Inszenierung, es passiert nähmlich nahezu nichts. Caspar sitzt auf dem den ganzen Abend allgegenwärtigen Klavier – ein Hakerl in der Check-Liste des zeitaktuellen Theaters – zündet dort ein Feuer an und wirft die Notenblätter, die Max verfertigt hat, hinein. Es gibt nicht wirklich ein „Wildes Heer“ – den im Hintergrund vorbeigezogenen Chor weigere ich mich als solchen zu bezeichnen – und auch sonst sieht man ausser einigen Krähenfiguren und einer Feuerprojektion im Hintergrund nichts. Ein weiteres Attribut des zeitaktuellen Theaters ist die Verfielfachung des Max bei seinem Auftritt in der Wolfsschlucht. Weiters hatte ich das Gefühl, dass der Regisseur auch eine gewisse homophile Zuneigung zwischen Max und Caspar bzw. Agathe und Ännchen sieht.

Unnötig zu sagen ist, dass der Chor immer wieder Bewegungen im Takt der Musik machen musste, z.B. beim Refrain des Jägerchores, denn stillstehen ist ja im modernen Theater ein absolutes No-Go. Neben vielen anderen Unsinnigkeiten, deren Aufzählung hier zu weit führen würde, sei noch der Schluss erwähnt, in dem der Eremit quasi als Deus-ex-machina in einem Luster a la Musikkverein herabschwebt. Dabei könnte ich durchaus auch mit einer ironisch angehauchten Inszenierung, so wie es z.B. Loriot 1988 in Ludwigsburg gemacht hat, leben. Das Bühnenbild von Garry McCann war natürlich wieder ein Einheitsrahmen – wann wird man mit diesem Unsinn endlich wieder aufhören – in Form eines weit nach hinten verlaufenden Raumes aus Glasscheiben und Spiegeln, der verschieden ausgeleuchtet und in den die notwendigen Versatzstücke hineingestellt wurden. Stimmung konnte dadurch natürlich nie aufkommen. Die Kostüme, ebenfalls von McCann waren nicht unhübsch, aber eher unauffällig.

Leider war der Abend auch musikalisch nicht auf dem Niveau, das man sich von einer Staatsopernpremiere erwartet. Der einzige, mit dem man wirklich voll zufrieden sein konnte, war Andreas Schager als Max. Mit ihm haben wir endlich wieder einmal einen kompromissfreien dramatischen Tenor im deutschen Fach. Mit seiner kräftigen und strahlenden Stimme überwindet er nahezu alle Klippen, die diese Partie hat, und überzeugt sowohl im Ausdruck als auch in der Gestaltung. Kleine Trübungen bei manchen Ansätzen könnte man erwähnen, aber das wäre meckern auf ganz, ganz hohem Niveau. Bei der Beurteilung der übrigen Leistungen wird es schwer. Enttäuscht war ich etwas von Camilla Nylund als Agathe. Besonders in der ersten Arie klang sie merkwürdig steif und berührte kaum. Die Arie im 3. Akt gelang dann besser, aber auch hier blieben einige Wünsche offen. Daniela Fally als Ännchen sah aus wie – diese möge es mir verzeihen – Erika Pluhar und war zumindest für mich nicht erkennbar ein androgynes Wesen, wie sie im Onlinemerker-Interview sagte. Sie machte auf mich eher den Eindruck einer zickigen Göre. Stimmlich war sie mir zu soubrettenhaft, sie war eher Adele denn Ännchen. Schlimm stand es um den Caspar. Alan Held hat weder die Schwärze in der Stimme noch die notwendige Tiefe für diese Rolle. Auch darstellerisch konnte er die grundschlechte Person kaum glaubhaft machen. Verlässlich wie immer war Adrian Eröd als Ottokar und Albert Dohmen sang würdig den Eremiten. Clemens Unterreiner liegt der Kuno ebenfalls zu tief und Gabriel Bermudez ergänzte als Kilian. Hans Peter Kammerer als Samiel blieb blaß.

Nicht sehr erfreulich auch das Orchester. Tomas Netopil mag es durchaus ordentlich einstudiert haben, aber er konnte kaum etwa davon umsetzen. Er setzte keinerlei wirkliche Akzente und die Musik plätscherte stellenweise nur dahin. Der in diesem Werk vielbeschäftigte Chor (Einstudierung: Thomas Lang) klang mit Einschränkungen ordentlich.

Am Ende abgestufter Applaus mit großem Jubel für Schager, aber einigen Buhs für Held, Fally und den Dirigenten. Das Regieteam wurde nahezu einhellig ausgebuht, wie man es schon lange nicht gehört hat.

Heinrich Schramm-Schiessl

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